波士顿工艺美术学校

随着英国工艺美术运动的重要设计师查尔斯·罗伯特·阿什比（Charles Robert Ashbee, 1863-1942）等人访美，英国工艺美术出版物《工作室》（Studio）的发行，以及北美媒体和社团活动的推广介绍，约翰·拉斯金（John Ruskin, 1819-1900）和威廉·莫里斯（William Morris, 1834-1896）的思想和探索成果在美国广为传播，美国也在19世纪末兴起了一场工艺美术运动。具有新大陆视野的美国艺术家在英国工艺美术运动的宗旨和基本思想指导下，毫不犹豫地在其中添加了社会和自然的因素，形成了自己的风格；较少强调中世纪哥特风格，更讲究设计上的典雅，同时又强调日本建筑的模数体系和横向形式的特点，印第安元素也在美国一些艺术家的作品中也留下了烙印。

1897年6月，美国首家工艺美术协会在波士顿成立，在柯普利大厅（Copley Hall）举办的第一届工艺美术展览，展出了一百六十多位手工艺人士的千余件作品。同年10月，芝加哥工艺美术协会成立；1900年，纽约手工艺人依照英国工艺美术运动“行会”的运作方式成立工艺美术协会；此后，明尼阿波利斯、费城和新奥尔良等城市先后成立了类似社团，进一步推动了美国工艺美术运动的发展。

来自英格兰谢菲尔德（Sheffield）的亚瑟·斯通（Arthur J. Stone, 1847-1938）是波士顿工艺美术协会的忠实会员，他不但马萨诸塞州加德纳（Gardner）的工作室里亲自设计制作银器，还聘请了一些独具眼光的设计师，其中就包括美国工艺美术运动中两位著名的家具大师查尔斯·罗尔夫斯（Charles Rohlfs, 1853-1936）和古斯塔夫·斯蒂克利（Gustav Stickley, 1858-1942）。

来自布鲁克林的查尔斯·罗尔夫斯以家具设计和制造而闻名。1897年，结束了库伯联盟学院（Cooper Union）设计学业后，罗尔夫斯在纽约州布法罗（Buffalo）成立了个人工作室，以手工的方式制作橡木家具；其后十年中，他将摩尔风格、东方元素、斯堪的纳维亚设计等多种风格自然地糅合到特定的结构和形态之中，创造出一种自由流畅的独特风格，并将自己的作品称为罗尔夫斯风格的艺术家具。

1901年，古斯塔夫·斯蒂克利发行了极具影响力的《手工艺人》（The Craftsman）杂志，以阐述英国工艺美术运动的哲学为开端，向中产阶级宣传工艺美术运动的设计原则和理念，成为美国工艺美术运动发展的灯塔。1903年，匠人工坊（The Craftsman Workshops）的成立，进一步扩大了他有机建筑理念在美国的传播，他与建筑师哈维·埃利斯（Harvey Ellis, 1852-1904）合作设计了221个不同住宅项目的草图。斯蒂克利认为房屋应与景观相协调，特别注意选择当地材料；开放式楼层设计可以鼓励家庭互动并消除不必要的障碍；内置书柜和长凳既实用又确保房子不会完全依赖外部家具；外露的结构、灯具和硬件元素都被认为是具有装饰性的；人造光应保持在最低限度，尽量采用大量的窗户来增强光线；这些理念对弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright, 1867-1959）产生了巨大的影响。在家具设计中，斯蒂克利积极贯彻了莫里斯的理念，以诚实、简单、真实为主导，强调简单的水平和垂直线条，外露的榫卯接头，皮革或帆布内饰，突出木材纹理；认为家具应该是合理的、舒适的、制作精良的，这也成为了曼森风格（Mission Style）家具制造的通则。

曼森风格直译布道所风格，名称源于旧金山的一座新教斯维登堡派（Swedenborgian）教堂。1898年，纽约家具商约瑟夫·麦克休（Joseph P. McHugh, 1854-1916）以福布斯（A.J. Forbes）四年前为上述教堂制作的椅子为原型推出了系列家具，因最初的设计来自于宗教场所，所以此类家具风格以Mission命名。曼森风格家具使用极简的直线结构，强调手工制作，重视质量和工艺，最低限度使用装饰元素。1901年，此类家具在纽约布法罗泛美博览会（Pan-American Exposition）亮相之后，变得越来越流行，并与美国工艺美术运动联系在一起。

密歇根州大急流城（Grand Rapids）的家具制造商查尔斯·林伯特（Charles Limbert, 1854-1923）这位美国工艺美术运动史上最成功的家具领导者之一，亦为曼森风格家具的发展做出不可磨灭的贡献。他的设计主要受到英国工艺美术、荷兰民间家具、苏格兰设计师查尔斯·雷尼·麦金托什（Charles Rennie Mackintosh, 1868 -1928）和维也纳分离派（Vienna Secession）等多种影响的启发，相比斯蒂克利的作品，林伯特的设计通常不那么严肃，更具视觉趣味。

美国工艺美术运动并没有如英国一样明确提出统一的哲学纲领，社会主义思潮在少数几个乌托邦式聚居地以外并没有得到扩散。其中著名的是费城建筑师威廉·莱特福特·普莱斯（William Lightfoot Price, 1861-1916）于1901年在宾夕法尼亚州莫伊兰（Moylan）附近建立了玫瑰谷（Rose Valley）和英国移民拉尔夫·伯德克利夫·怀特希德（Ralph Radcliffe Whitehead, 1854-1929）与妻子简·伯德·麦考尔·怀特希德（Jane Byrd McCall Whitehead, 1861-1955）于1902年在纽约州伍德斯托克（Woodstock）建立的伯德克利夫艺术聚落（The Byrdcliffe Arts Colony），艺术家和手工艺匠人在聚落内从事包括家具、陶瓷器、金属制品和书籍装帧等一系列作品的手工制作。

城市中心的社团活动则着重于开展对年轻女性的教育普及，以及传授高质量的手工技艺，工艺美术运动的原则在波士顿周六晚间女子俱乐部（Saturday Evening Girls Club）得到了充分体现。俱乐部旗下的保罗·里维尔陶艺工坊（Paul Revere Pottery）组织女性学习陶瓷制作，提倡在健康的工作环境下将手工艺融入日常生活。里维尔陶瓷采用一种古老的方法制作釉面，用蜡或者锰以产生精确的黑色轮廓，辅以少量的颜色种类以及自然性装饰图案，设计上兼具实用与艺术，在美国艺术陶器发展中取得了重大成就。

1894年，新奥尔良女性教育机构苏菲·纽科姆纪念学院（Sophie Newcomb Memorial College）建立的纽科姆陶艺工坊（Newcomb Pottery）被认为是 20 世纪上半叶最重要的美国艺术陶器机构之一。1895至1902年间，纽科姆陶器以未着色的纹样装饰为主；1902年之后，更加标准化工艺流程使切片作为一种设计技巧发展起来，赋予了作品更高的表现力；1910年，纽科姆发明了一种柔软而浪漫的哑光釉，陶器开始在粘土中雕刻图案，而不是切割或涂底。在近五十年的运营历史中，纽科姆制作了大约七万件不同的作品。

威廉·亨利·格鲁比（William Henry Grueby, 1867-1925）于1894年在马萨诸塞州里维尔（Revere）建立的格鲁比陶艺（Grueby Pottery）则以对自然的诠释与工艺的创新见长。1897年，格鲁比吸取法国哑光釉陶器和日本陶瓷技术创新的哑光绿釉陶器在波士顿工艺美术协会的展览中一炮而红，迅速在美国取得极大知名度；1900年，巴黎世博会的两枚金牌和一枚银牌更是在国际上极大的提升了公司声誉；随后，格鲁比相继在1901年俄罗斯圣彼得堡陶瓷博览会和1904年圣路易斯采购博览会获得金奖。格鲁比哑光绿釉陶器以内敛而优雅的自然装饰结合厚重的用料与完美的比例，成为最受认可的美国工艺美术陶器制品。

1903年，托马斯·惠特利（Thomas Wheatley, 1853-1917）在俄亥俄州辛辛那提（Cincinnati）创建了惠特利陶器（Wheatley Pottery），工坊制品与格鲁比陶器风格相似，其特点是造型独特，采用浮雕装饰，常使用厚重的亚光绿釉、蓝色或黄色釉料。

1904年，赫伯特·霍尔博士（Dr. Herbert Hall, 1870-1923）在马萨诸塞州马布尔黑德（Marblehead）针对患有精神疾病的女性治疗而建立了一个小型陶器项目；1905年，亚瑟·巴格斯（Arthur Baggs, 1886-1947）负责后工坊开始向专业化转变；1908年，在原小型工坊的基础上成立了布尔黑德陶器（Marblehead Pottery）。完成转型的工坊在巴格斯领导下，专注于纯手工制作小批量的高品质艺术陶器，多次荣获波士顿工艺美术协会奖章；直至今日，马布尔黑德陶器仍是最受欢迎的工艺美术陶瓷制品。

威廉·戴·盖茨（William Day Gates, 1852-1935）于1881年在伊利诺伊州麦克亨利县（McHenry）创立的特科陶器公司（Teco Pottery）是美国第一家建筑陶瓷品制造商。其独立开发的特科绿釉（Teco Green）陶器经常被拿来与格鲁比相比较，这种更光滑的微晶哑光釉制品一经推出便在众多绿釉陶器制品中脱颖而出，是工艺美术细釉陶器中的经典之作。

辛辛那提的鲁克伍德陶器（Rookwood Pottery, Established 1880）和科罗拉多州科泉市（Colorado Springs）的范·布里格尔陶器（Van Briggle Pottery, Established 1899）也是工艺美术陶器的典型代表。在1870至1920年代，他们与上述陶器公司一起定义了抛弃大量生产，青睐于简洁而富独创性的美国工艺美术陶器。

在《手工艺人》、《美丽家居》（House Beautiful）和《淑女家庭杂志》（Ladies Home Journal）等相关月刊的推广下，工艺美术的室内设计理念也逐渐深入人心，而照明则成为比以往任何时候都重要的室内装饰元素。路易斯·康福特·蒂芙尼（Louis Comfort Tiffany, 1848-1933）领导的蒂芙尼工作室（Tiffany Studios）以上述陶器工坊出品的釉陶器皿作为底座，配以自家的彩色玻璃灯罩，出品了一系列灯具作品；来自印第安人的织物图案亦作为设计元素被应用于玻璃灯罩的制作。

活跃于加州旧金山地区的荷兰移民德克·凡·厄普（Dirk Van Erp, 1862-1933）是美国工艺美术运动的杰出金属匠人。1908年，厄普在奥克兰（Oakland）建立铜艺工坊之后便积极参与了当地的工艺美术展览；1909年，他在西雅图举行的阿拉斯加-育空-太平洋博览会（Alaska-Yukon-Pacific Exposition）展出了20余件作品，系列手锤铜胆云母台灯立时成为了展会中的明星作品；随之，工坊出品手锤铜制品和云母灯为他带来众多荣誉的同时亦是整个工艺美术运动中金属器的代名词。

英国工艺美术运动对于美国建筑设计的影响尤其深刻，摩天大楼之父路易斯·沙利文（Louis Sullivan, 1856-1924）和美国最伟大的建筑师之一弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright, 1867-1959）等人都深受其影响。师从沙利文的赖特自立门户之后，开创了著名的草原派（Prairie School）建筑风格。集中位于芝加哥郊外的草原派建筑，以其独特的水平、悬垂的屋顶和围绕中厅而自由流动的房间为特色，显示出强烈的工艺美术风格。

赖特与许多其他工艺美术建筑师一样，以整体建筑为设计理念，室内的家具、灯具、装饰配件、镶花玻璃等往往成为艺术品与建筑相结合，为美国人塑造了一种新的生活方式，这也意味着赖特的家具通常是为个别房屋定制的，每栋建筑的家具都是独一无二的。如下图所示的餐厅组合，是赖特家具设计方面的典范，为了鼓励聚会与互动，高背参椅的设计有助于遮挡桌子上每个人之外的视线，将注意力集中在周围人身上；同时，直立的椅背又鼓励人们保持正确的姿势；餐桌四角的灯具突出了聚集感，点亮环境氛围的同时也挡住了桌子外的角落。

赖特对含铅艺术玻璃窗（多使用抽象的几何图案）的使用也达到了炉火纯青，通过柔和的光线过滤将室内和室外空间融为一体；环绕空间的大幅玻璃窗、木材和红砖的天然材料，内饰表面的暖色调，进一步强调了室内与建筑以及外部空间的联系，达到风格的整体统一。

建筑师威廉·格雷·珀塞尔（William Gray Purcell, 1880-1965）、乔治·格兰特·埃尔姆斯利（George Grant Elmslie, 1871-1952）和小乔治·费克（George Feick Jr., 1881-1945）在明尼苏达州明尼阿波利斯（Minneapolis）开设的建筑设计事务所是草原派的另一个代表。他们在1911年改造的克罗斯之家（J.G. Cross House, 现已不存）和1913年完成的珀塞尔之家（Purcell-Cutts House）亦在建筑中贯彻了整体设计的原则。

查尔斯·萨姆纳·格林（Charles Sumner Greene, 1868-1957）和亨利·马瑟·格林（Henry Mather Greene, 1870-1954）两兄弟在加州帕萨迪纳（Pasadena）创立的格林兄弟（Greene and Greene）是美国西海岸独座建筑的典范。位于帕萨迪纳的根堡住宅（Gamble House）借鉴了日本民间建筑的结构特点，建筑采用木构件，讲究梁柱结构的功能性和装饰性，吸收东方建筑和家具设计中装饰性的元素，强调日本建筑的模数体系和横向形式的特点。除建筑外，格林兄弟的家具设计从中国明式家具中汲取灵感，基本都以硬木制作，强调木材本身的色彩和肌理，无论是总体结构还是细节装饰，都具有浓厚的东方味道。

1920年代，随着城市化与工业化的推进，以及装饰艺术风格和现代主义的兴起，人们对自然主义和中世纪的留恋也在逐渐消退，美国设计师和消费者关注的重点，更多地转向对现代化和美国特色的追求，工艺美术运动在美国也逐渐走向了终点，只有住宅建筑仍以这种风格往后延续了十年。然而，它却彻底的改变了美国设计界，对大众生活的影响也延续至今，正是因为工艺美术运动的兴起使建筑和设计由传统步入了现代之门，民众对室内装潢和家具的认知也由此步入了美学时代；而工艺美术大师们保留下来的作品更是成为了收藏市场的宠儿，设计杰作也由一代代的手工匠人传承至今。